Mr. Matti rappresenta una delle voci più interessanti e provocatorie della scena artistica contemporanea ticinese. Basato a Lugano, questo artista (che preferisce mantenere un alone di mistero attorno alla propria identità personale) ha saputo ritagliarsi in pochi anni uno spazio distintivo tra gallerie, collezionisti e appassionati d’arte urbana e pop-surrealista.

Da dove nasce Mr. Matti?

Le prime tracce pubbliche consistenti di Mr. Matti risalgono al 2025, quando inizia a comparire con regolarità su Instagram con profilo: @mrmatti.luma

La sua biografia dichiarata è volutamente scarna:  

“Art is surgery on society’s body”  

Arte come bisturi sulla carne della società.

Questa frase-manifesto riassume perfettamente il suo approccio: opere che tagliano, aprono, mettono a nudo meccanismi sociali, ipocrisie, voyeurismo digitale, sessualità repressa, consumismo e controllo.

La LuMa Gallery – il cuore pulsante del progetto

Il vero punto di svolta avviene con l’ingresso nella LuMa Gallery di Lugano, spazio che oggi ospita una mostra permanente delle sue opere e che funge anche da “factory” / laboratorio a cielo aperto.

La galleria è diventata sinonimo di Mr. Matti in Ticino: qui nascono le serie più conosciute, vengono prodotte limited edition (anche in tecniche miste come laser-cut su materiali nobili) e si organizzano opening che attirano un pubblico trasversale, dai collezionisti svizzeri-tedeschi ai giovani della scena urbana italiana.

Tra le opere più iconiche esposte / vendute in quel contesto troviamo:

- **Pig series**  

- **She opens her coat – They open their phones** (una delle didascalie più virali)  

- **Back in black** (50×70 cm – corpi come prove, desideri come crimini)  

- Triptych originario con Superman (sua primissima opera simbolica, rieditata in laser-cut limited edition)

Lo stile di Mr. Matti in sintesi

Mr. Matti si muove in un territorio ibrido tra:

- **Pop art** (colori saturi, icone riconoscibili, ironia tagliente)  

- **Street art** contemporanea (atteggiamento punk, critica sociale diretta)  

- **Surrealismo digitale** (immagini che sembrano glitch tra realtà e feed Instagram)  

- **Lowbrow / underground illustration** (tocco fumettistico e provocatorio)

Le sue composizioni spesso mettono in scena figure femminili in atteggiamenti ambigui, voyeurismo tecnologico (smartphone come estensione dello sguardo), animali antropomorfizzati (i celebri maiali), e un nero profondo che inghiotte parti della scena creando contrasto drammatico.

Tecnicamente alterna:

- Acrilici e smalti su tela / tavola  

- Interventi misti con stampe, collage digitali  

- Edizioni limitate incise / tagliate al laser  

- Disegni preparatori molto dettagliati che poi diventano murales o installazioni

Il rapporto con Mr. Savethewall e la scena italiana

Un capitolo importante è il legame con Mr. Savethewall (Pierpaolo Perretta), street artist comasco di fama internazionale.

Mr. Matti ha dedicato a lui un’opera esplicita (“Elogio a Mr. Savethewall”) che è stata la prima a uscire dalla LuMa Gallery, consegnata direttamente nelle mani del maestro. Questo passaggio testimonia un riconoscimento di lignaggio: da una parte l’Italia underground degli anni 2000-2010, dall’altra la nuova generazione ticinese che rielabora quegli input in chiave più pop, social e mercantile.

Perché Mr. Matti è interessante per il Ticino oggi?

In un cantone che ha sempre oscillato tra il lusso discreto di Paradiso/Montagnola e la vivacità culturale di Lugano città, Mr. Matti porta un vento disturbante ma necessario:

- parla la lingua dei social nativi (Instagram è il suo vero atelier)  

- attrae un pubblico under 35 che altrimenti non entrerebbe in galleria  

- vende (e bene), dimostrando che l’arte contemporanea può essere redditizia anche senza passare per Zurigo o Basilea  

- mantiene un’attitudine critica feroce verso il capitalismo della sorveglianza e il narcisismo digitale

In conclusione

Mr. Matti non è solo un artista di Lugano: è uno specchio scomodo e coloratissimo che la città sta imparando a guardarsi addosso.

Se passate da Lugano, fate un salto alla LuMa Gallery. Potreste trovarvi davanti a un maiale in giacca e cravatta che vi fissa, una ragazza che apre il cappotto mentre tutti intorno scattano foto col telefono, o semplicemente una scritta al neon che dice:  

“Some bodies are treated as evidence. Some desires as crimes.”

E in quel momento capirete perché, nella sonnolenta eleganza ticinese, c’è chi ha deciso di fare arte come chirurgia sociale

Buona visione.  

E buon bisturi.

In un’epoca in cui l’arte contemporanea spesso si carica di concetti complessi, dichiarazioni programmatiche e ironia distaccata, incontrare il lavoro di Chiara Pradella è come aprire una finestra in una stanza piena di specchi: improvvisamente entra aria vera, luce naturale, un respiro umano.

Chiara, classe 1989, non è solo un’artista. È una filosofa che ha scelto di non fermarsi alle parole, ma di tradurle in colore, materia e gesto. Laureata in Scienze dell’Educazione e in Filosofia, con un Master in Consulenza Filosofica e un post-Master in Valorizzazione Digitale dei Beni Culturali, porta dentro di sé una doppia anima: quella che riflette e quella che sente. E quando dipinge, queste due anime si fondono in qualcosa di immediatamente riconoscibile: una pittura che non urla, ma sussurra con intensità.

Quello che colpisce di più, conoscendola, è la **spontaneità** con cui si approccia al fare artistico. Non c’è nulla di calcolato o di posticcio nel suo gesto. Il quadro nasce spesso da un impulso emotivo, da un’osservazione del mondo che le attraversa il corpo prima ancora della mente. “Non dipingo il sole che sorge, ma le emozioni che provi quando lo vedi” – questa frase che appare sul suo sito personale è forse la chiave di lettura più sincera della sua ricerca. Non rappresenta il visibile, ma l’invisibile che si muove dentro di noi quando il visibile ci tocca.

Le sue opere, spesso realizzate con **tecnica mista su tela**, oscillano tra astrazione e presenza di materia viva. Strati di colore che si accumulano, si graffiano, si sovrappongono come strati di ricordi o di stati d’animo. C’è una sensibilità tattile fortissima: si sente che il pennello (o la spatola, o le mani) non è solo strumento, ma prolungamento del sistema nervoso. Opere come quelle presentate nella personale **“Prima di tutto”** presso l’Archivio Galleria Lazzaro by Corsi a Milano (maggio 2023) o nel progetto “Specchialità. Fragilità e Bellezza” trasmettono proprio questa urgenza emotiva, questa incapacità di trattenere ciò che si prova.

Chiara non separa mai l’arte dalla vita. È una di quelle persone che, quando parla di un quadro, finisce inevitabilmente a parlare di un incontro, di una passeggiata, di una frase letta in un libro o sentita per caso. La sua formazione filosofica non è un bagaglio da esibire, ma un filtro attraverso cui guarda il mondo con maggiore profondità e, paradossalmente, con maggiore ingenuità. È come se dicesse: “Sì, ho studiato Heidegger, Levinas, il pensiero della cura… ma alla fine quello che conta è se questo colore qui mi fa tremare dentro oppure no”.

E proprio questa **sensibilità** la rende capace di creare ponti autentici, non solo con chi guarda le sue opere, ma anche con chi condivide il suo percorso artistico. Tra le relazioni più significative e consolidate c’è quella con **Adriano Corsi**, fondatore e anima della Galleria Lazzaro by Corsi a Milano, che da anni ospita e sostiene il suo lavoro: dalla personale “Prima di tutto” alle presentazioni di eventi recenti come “N.N. La Genesi” (dicembre 2024), dove Chiara ha curato l’esposizione e Adriano ha introdotto con la sua consueta passione da gallerista che crede nelle persone prima che nei trend. Un legame fatto di fiducia reciproca, di dialogo continuo e di spazi condivisi che permettono all’arte di respirare senza forzature.

Allo stesso modo, Chiara intrattiene un rapporto profondo e di stima con **Carlo Motta**, critico d’arte e figura di riferimento del Catalogo dell’Arte Moderna Cairo Mondadori (CAM), che ha scritto di lei con parole che colgono esattamente il cuore della sua ricerca: un’espressione attraverso i colori che intreccia astrazione informale e una sensibilità quasi post-impressionista, sempre ancorata alla dimensione umana e filosofica. Motta non è solo un estimatore: è diventato presenza ricorrente nei suoi eventi, come ospite d’onore o interlocutore in presentazioni, a testimonianza di un’amicizia artistica che va oltre il professionale e si nutre di confronti sinceri sul senso del fare arte oggi.

Questi legami – con Adriano, con Carlo e con la comunità che ruota intorno alla Galleria Lazzaro e al mondo Cairo Mondadori – non sono solo “contatti”: sono esempi concreti di come Chiara viva l’arte come relazione, come cura reciproca, come spazio in cui la spontaneità di uno trova eco nella sensibilità dell’altro.

I suoi lavori non sono mai autoreferenziali: invitano chi guarda a fermarsi, a riconoscersi, a lasciarsi attraversare. Non c’è giudizio, non c’è superiorità. C’è solo un invito gentile ma fermo: “Senti anche tu questa cosa? Esistimi accanto mentre la sento anch’io”.

C’è una coerenza profonda tra ciò che dipinge e ciò che è: una donna che ama l’arte non come carriera o come status, ma come **forma di presenza** al mondo. Quando è in studio, il tempo rallenta. Quando parla di un’opera appena finita, gli occhi le si illuminano come se stesse raccontando di un amore improvviso.

Chiara Pradella non è (ancora) una di quelle artiste di cui parlano tutti i grandi magazine internazionali. Ma è esattamente questo il bello: la sua ricerca è intima, ostinatamente autentica, lontana dalle logiche del rumore. E proprio per questo, credo, è destinata a lasciare un segno vero, di quelli che si sentono sulla pelle prima che nella testa.

Se passate dal suo sito www.chiarapradella.it o la incontrate su Instagram (@chiarapradellaarte o profili collegati), fermatevi un attimo. Guardate le sue opere senza fretta. Lasciate che vi parlino. Vi accorgerete che, dietro ogni pennellata, c’è una persona che ha deciso di non difendersi dalle emozioni, ma di accoglierle e trasformarle in bellezza condivisa – spesso insieme a chi, come Adriano Corsi e Carlo Motta, ha scelto di camminare al suo fianco in questo percorso.

Grazie Chiara, per ricordarci che l’arte, alla fine, è soprattutto questo: un atto d’amore verso ciò che siamo, fragili e vivi.

Negli ultimi anni ho sentito l’esigenza di dare un nome preciso a due anime distinte ma complementari che convivono nel mio lavoro pittorico. Da una parte c’è il **Manierismo Contemporaneo** (o Neo-Manierismo, come ho iniziato a chiamarlo in alcuni scritti recenti), con le sue figure allungate e scomposte, le sproporzioni deliberate, gli elementi surreali che irrompono come presagi, le atmosfere sospese tra malinconia e ironia grottesca. È uno stile che guarda al Cinquecento di Pontormo e Parmigianino, ma lo proietta in un presente disorientato, saturo di simboli, contraddizioni e distorsioni della percezione.

Dall’altra parte, però, è nato e si è imposto con forza crescente un filone che sento profondamente mio, più intimo e urgente: lo chiamo **Fragilismo Contemporaneo**.

Non si tratta di una semplice variazione sul tema manierista. È una biforcazione tematica e sentimentale. Mentre il Manierismo Contemporaneo indaga l’adulto smarrito, l’io frammentato, il potere, il rischio, l’alienazione tecnologica e sociale, il Fragilismo Contemporaneo sceglie di posare lo sguardo altrove: sui **bambini**, sulla loro **condizione di estrema vulnerabilità** in un mondo che sembra dimenticarsi di proteggerli.

Nei due dipinti che accompagnano questo articolo (entrambi oli su tela recenti) vedete esattamente questa tensione.

Nel primo, due bambine giacciono su un tappeto di macerie e oggetti abbandonati – libri strappati, forbici, zaini, elefanti di peluche, valigie – in un paesaggio urbano desolato sotto un cielo irreale. Si abbracciano, quasi dormono, come se il sonno fosse l’ultima difesa possibile. Non c’è dramma urlato: c’è invece una quiete apparente, una fragilità che si manifesta proprio nell’assenza di movimento, nella resa al caos circostante.

Nel secondo, tre piccoli corpi sono riversi tra detriti, fumo, fuoco lontano, crani, giocattoli rotti, un AK-47 tenuto in mano da un bambino con gli occhi socchiusi. Un uomo adulto, lontano, osserva immobile con una sfera enorme accanto a sé – forse un mondo, forse un peso insostenibile. Anche qui non c’è azione violenta in primo piano: c’è la stanchezza infinita, lo sguardo spento, la prossimità tra l’infanzia e la morte resa tangibile da pochi, devastanti dettagli.

Questi quadri non sono illustrazioni di guerre specifiche o di cronache del momento. Sono icone di una condizione universale e atemporale: quella in cui l’innocenza viene schiacciata non solo dalla violenza fisica, ma dall’indifferenza, dall’abbandono, dalla perdita di futuro. Il bambino diventa metafora estrema della **fragilità umana contemporanea**.

Perché ho sentito il bisogno di distinguere questo approccio dal Manierismo Contemporaneo?

Perché il manierismo, per sua natura, tende all’artificio, alla stilizzazione, all’eleganza della distorsione. Anche quando è drammatico, mantiene una certa distanza estetica. Il Fragilismo Contemporaneo, invece, rifiuta la freddezza stilistica: cerca la **prossimità emotiva**, il **corpo a corpo con la compassione**. Le figure infantili non sono allungate per capriccio formale; sono sproporzionate solo quanto basta per trasmettere impotenza. I colori sono terrosi, polverosi, feriti dalla luce artificiale o dall’incendio lontano. Gli oggetti – libri, penne, bambole, medicine, armi – non sono meri simboli: sono reliquie di un’infanzia negata.

In questo senso il Fragilismo è più vicino a certi Goya (i Disastri della guerra, i Capricci), a Bacon quando ritrae il dolore nudo, o a certi passaggi di Otto Dix e George Grosz, ma filtrati attraverso una sensibilità del XXI secolo: consapevole dell’iper-immagine, della saturazione mediatica, della anestesia collettiva di fronte alla sofferenza dei più piccoli.

Non voglio che questi quadri vengano letti come denuncia politica contingente. Sono piuttosto **preghiere laiche**, atti di testimonianza pittorica. Dipingendoli cerco di fermare lo sguardo su ciò che la maggior parte di noi preferisce rimuovere: il fatto che la civiltà contemporanea, nonostante tutta la sua tecnologia e la sua retorica umanitaria, continua a produrre scenari in cui i bambini sono i primi a pagare il prezzo più alto.

Il Fragilismo Contemporaneo è quindi il mio modo di dire: guardate. Non distogliete gli occhi. Non anestetizzatevi. Questi corpi piccoli, questi volti stanchi, questi giochi spezzati accanto a crani e proiettili sono la cartina di tornasole della nostra epoca.

E forse, proprio perché così fragili, sono anche la sola cosa che può ancora salvarci: ricordarci cosa significhi essere umani.

Se volete vedere altri lavori di questa serie, li trovate nella sezione **Opere → Manierismo Contemporaneo / Fragilismo Contemporaneo** su questo sito. 

Serafino Valla, nato a Luzzara nel 1919 e scomparso a Reggiolo nel 2014, rappresenta una delle figure più autentiche della prima generazione di pittori naif italiani. Autodidatta e profondamente legato alla terra emiliana lungo le rive del Po, Valla ha trasformato le sue esperienze personali in opere che mescolano pittura, scultura e scrittura, catturando l'essenza di un mondo rurale e umano con una sensibilità introspettiva e gentile.

## Un'Infanzia Difficile e un Rifugio nella Natura

La vita di Valla è segnata da un'infanzia travagliata, dominata da un rapporto conflittuale con il padre, casaro spesso licenziato per errori nella produzione del formaggio, che portava la famiglia a frequenti traslochi. Questa instabilità rese irregolare la sua scolarizzazione: frequentò una doppia scuola con maestre diverse, senza amicizie durature, finendo la quinta elementare a quasi quindici anni. Psicologicamente insicuro e incompreso, il giovane Serafino trovò rifugio nella contemplazione della natura, un tema che permeerà poi la sua arte.

Esasperato dai conflitti familiari, nel novembre 1938 si arruolò volontariamente nell'esercito. Partecipò ai combattimenti sul fronte francese nel 1940 e, nel novembre 1941, alla campagna di Russia con il C.S.I.R. Ferito da una bomba a una gamba nelle steppe russe, fu trasferito all'ospedale di Bucarest, dove cure avanzate gli salvarono l'arto dall'amputazione. Durante quei momenti tragici, la passione per l'arte lo sostenne: su quaderni riprodusse i paesaggi che lo incantavano. Rientrato a Luzzara in convalescenza, questa esperienza segnò l'inizio di un percorso creativo che lo portò a dipingere intorno ai quarant'anni, senza più smettere.

## La Scoperta Artistica e l'Incontro con Zavattini

Valla espose i suoi primi quadri sotto i portici del Caffè Sport di Luzzara, sottoponendoli al giudizio diretto della gente del posto. Fu lì che, casualmente, passò Cesare Zavattini, il quale, ammirato dalle opere, si fermò a lungo a parlare con lui. Conoscendone la storia, Zavattini gli disse: "Ma tu Valla ne hai passate più di me...". Questo incontro fu decisivo: Zavattini, figura chiave del naifismo, lo incoraggiò a proseguire, e Valla intensificò la sua attività artistica, guadagnandosi presto un riconoscimento internazionale.

Partecipò a numerose edizioni del Concorso Nazionale dei Naifs di Luzzara, ottenendo accettazioni e premi. Le sue opere furono esposte in centri vicini come Reggiolo, Guastalla e Suzzara, e in città come Bologna, Parma, Reggio Emilia, Mantova, Milano, Viareggio, Foggia, Carpi, Messina, Napoli, Zurigo, Zagabria e molte altre. Negli anni Settanta tenne la prima mostra personale proprio a Luzzara, consolidando il suo legame con il territorio.

## Opere e Stile: La Razionalità nel Naif

Pur appartenendo alla prima generazione dei naif, Valla si distingue per una razionalità che guida le composizioni dei suoi dipinti, rendendoli "scultorei e plastici". Cantore della fiaba naif, esplora temi esistenziali: la condizione umana con i suoi bisogni, paure, speranze, sogni e fatiche, e una "volontà di connessione" che lega l'individuo al mondo. Opere come *Ricordo di un paese* (acrilico su compensato, 50x40 cm, 1984), *La tracciaiola* (olio su tavola, 1969), *Zavattini a Luzzara*, *San Francesco inaugura il primo Presepe vivente*, *Presepio Padano* e *Natività nella stalla* evocano paesaggi padani, figure contadine e scene religiose con un tocco poetico e colorato.

Non solo pittore, Valla fu scultore – con opere come *Uomo col tabarro* (1999), *Boscaiolo* (2000), *Seminatore* (2000), *Falciatore* (2006) e *Meditazione* – e scrittore. Autore di una biografia e di "massime" aforistiche, lasciò tracce autobiografiche lucide e intenzionali. Le sue creazioni sono custodite in musei come il Museo Nazionale delle Arti Naïves Cesare Zavattini di Luzzara, il Museo Cervi di Gattatico, il Museo dei Madonnari di Curtatone, e in collezioni in Jugoslavia, Svizzera, Francia, Spagna e Olanda.

Documentari come *La Ballada* di Walter Marti (1980, Zurigo) e *I lupi dentro* di Raffaele Andreassi (1991, Roma) catturano la sua vita e il messaggio artistico-umano. Una testimonianza appare nel libro di Sandro Spreafico *Il mito, il sacrificio, l'oblio*. Nel 2019, per il centenario della nascita, fu presentato il film *Pecore in transito - Meditazione tra inconscio e presente*.

## Eredità e Celebrazioni Recenti

Dopo la morte nel 2014, la figlia Giuseppina Valla ne divenne curatrice, promuovendo un percorso di valorizzazione. Mostre antologiche lo hanno omaggiato: nel 2016-2017 a Gualdo Tadino (50 opere dal 1968 al 2013), nel 2018 a Casa Cervi con focus su "La semina come atto poetico", e nel 2024-2025 a Palazzo Sartoretti di Reggiolo (*Serafino Valla. L'eterno ritorno in Emilia*), dove una scultura, *Vangatore* (1992), entrò nella collezione permanente.

Serafino Valla rimane un pensatore e poeta del colore, un artista che, attraverso il naif, ha orchestrato narrazioni visive sulla totalità dell'esistenza umana. Il suo legame con Luzzara, culla del naifismo italiano grazie a Zavattini, continua a ispirare, ricordandoci il valore di un'arte radicata nella vita quotidiana.

Da anni ricevo questa domanda, in forme diverse:
«Roberto, devo per forza studiare storia dell’arte, leggere filosofia, sapere chi erano i Macchiaioli e perché Duchamp ha messo un orinatoio in un museo… o posso semplicemente dipingere quello che sento?»

La risposta sincera è: dipende da che tipo di artista vuoi essere e, soprattutto, da quanto in alto vuoi arrivare.

Due scuole di pensiero apparentemente opposte

1. «L’artista deve essere se stesso, autentico, naïf se necessario. La cultura è un orpello che rischia di soffocare la voce interiore.»
(Pensiamo a Basquiat che arriva da graffiti e subway, a Pollock che agiva d’istinto, a molti outsider come Henry Darger o Bill Traylor.)

2. «L’arte è dialogo con la tradizione. Senza cultura non sai nemmeno con chi/cosa stai dialogando, rischi di ripetere banalità pensando di essere originale.»
(Pensiamo a Picasso che copiava per anni i maestri al Prado prima di distruggerli, a Damien Hirst che sa perfettamente chi erano i ready-made, a Jeff Koons che cita apertamente l’arte classica con ironia.)

La verità, come spesso accade, non sta nel mezzo: sta in entrambi gli estremi contemporaneamente.

La cultura non è decorazione, è ossigeno

Nessuno nasce in un vuoto culturale. Anche l’artista più “istintivo” respira l’aria del suo tempo: la musica che ascolta, i film, i social, il linguaggio visivo della pubblicità. Quello è già un bagaglio culturale, spesso inconsapevole.

Il problema sorge quando questo bagaglio è povero e l’artista crede di essere “puro” solo perché non ha mai aperto un libro d’arte. In quel caso non è puro: è semplicemente ignorante del contesto in cui opera. E l’ignoranza, in arte come altrove, produce spesso cliché spacciati per originalità.

Picasso diceva: «I cattivi artisti copiano, i grandi artisti rubano».
Ma per rubare bene devi sapere dove andare a rubare.

L’autenticità non è l’assenza di influenze

Essere se stessi non significa essere vergini culturalmente. Significa digerire tutto ciò che si è visto, letto, vissuto e restituirlo in una forma che porta la tua impronta unica.
L’autenticità è il risultato di un processo di assimilazione e superamento, non di isolamento.

Damien Hirst non è diventato Damien Hirst perché ha messo una pecora sottovetro a caso. Ci è arrivato dopo aver studiato Francis Bacon, l’arte concettuale, la museologia, la storia delle wunderkammer e il mercato dell’arte londinese degli anni ’80.

Tre livelli di artista (secondo me)

1. L’artista locale / decorativo / istintivo
Può vivere felicemente senza particolare cultura. Dipinge bei tramonti, vende nei mercatini, è contento così. Nessun problema. Il mondo ha bisogno anche di questo.

2. L’artista professionista contemporaneo che vuole entrare nel circuito medio-alto
Qui la cultura diventa imprescindibile. Galleristi, curatori, collezionisti e critici parlano un linguaggio preciso. Se non conosci i riferimenti, sei fuori dal gioco prima ancora di iniziare.

3. L’artista che vuole cambiare la storia dell’arte (i vari Picasso, Warhol, Beuys, Abramović…)
Qui non si tratta più di “essere acculturato”. Si tratta di essere un intellettuale visivo a tutto tondo. Questi artisti leggono filosofia, scienza, antropologia, politica. Trasformano la cultura in materia prima per le loro opere.

La mia posizione personale (e pratica)

Io dipingo da trent’anni. Ho iniziato da autodidatta, istintivo, “anarchico”.
Poi, a un certo punto, ho sentito che stavo girando in tondo. Ho iniziato a studiare come un matto: storia dell’arte, semiotica, filosofia dell’immagine, chimica dei materiali, marketing, psicologia della percezione.
Risultato? Non ho perso la mia voce, l’ho amplificata. Oggi, quando creo un’opera, dentro ci sono io, ma anche secoli di pittura che ho fatto miei.

Essere se stessi non è un punto di partenza: è un punto di arrivo.

Conclusione pratica per chi legge

- Se dipingi per piacere tuo e dei tuoi amici → fai quello che ti pare, sei già nel giusto.
- Se vuoi vivere d’arte o lasciare un segno → studia. Non per fare il bravo scolaro, ma per avere più frecce al tuo arco.
- Leggi, guarda, viaggia, ascolta musica che non conosci, vai ai musei anche se all’inizio ti annoiano.
- Trasforma la cultura in combustibile, non in zavorra.

L’artista davvero libero è quello che conosce le regole così bene da poterle infrangere con cognizione di causa.

E tu, che tipo di artista vuoi essere?

(Commenta pure qui sotto, sono curioso di sapere la tua esperienza)